Les musiques de films (XIX)

MORT OU VIF/The quick and the dead, un film de Sam Raimi (1995) avec Sharon Stone, Gene Hackman, Russel Crowe, Leonardo Di Caprio, Lance Henricksen, Kevin Conway et Roberts Blossom. Musique d’Alan Silvestri. Un film Tristar Pictures.

Jubilatoire, ce film est jubilatoire. Il faudrait ne pas aimer le cinéma pour empêcher l’enthousiasme vous gagner. Il y a d’abord la photographie, superbe, les cadrages, formidables, la musique, parfaite mais tous les corps de métiers représentés excellemment dans cette production ne seraient pas grand chose sans la présence éclatante des acteurs, tous parfaits dans leurs rôles respectifs. Sharon Stone nous livre une performance et n’aura jamais autant convaincue qu’avec son personnage hors du commun, la femme cow-boy intrépide et vengeresse. Elle fume, elle dégaine, elle cogne mais saura rester tellement féminine le moment venu… À coups sûr, Sharon Stone est magnifique et resplendissante. Un âge idéal, un regard qui tue, une beauté plastique dans une atmosphère enivrante : son visage expressif illumine l’écran et rarement une actrice aura été mise en valeur aussi bien que dans la poussière, la sueur et le sang d’un western. Un film dont elle avait foi puisqu’elle l’a co-produit. Le pari était pourtant osé après les monuments issus du couple amical et professionnel Sergio Leone/Ennio Morricone ; sans tomber dans le piège de la comparaison facile, Raimi le réalisateur et Silvestri le compositeur de « Mort ou vif » sauront donc rester originaux et créatifs. Un remerciement particulier doit également être adressé à Gene Hackman, l’un des meilleurs acteurs américains de tous les temps qui aura pu jouer tous les rôles, de l’incorruptible de la « French connection » au salaud absolu de « Mort ou vif ». Les voix françaises qui doublent tous ces talents sont d’une richesse incroyable et donne le relief supplémentaire nécessaire à la fusion du son et des images. Un film à revoir de toute urgence (et surveillez vos arrières, on ne sait jamais…). L’appréciation d’Alix : Excellent. La musique : Parfaite.

À noter que Sharon Stone n'est plus que l'ombre d'elle même quand elle dégaine. Dans le récent « Streets of blood » de Charles Winkler (2009), un film au titre aussi indigeste que son contenu (ne pas traduire un titre aussi simple en langue française pour la distribution en France relève d'une forme grave de débilité précoce), Sharon Stone fait peur en prenant de l'âge : rarement une actrice aura connu de parcours professionnel aussi cahotique. Pour avoir beaucoup misé sur son physique fort avenant, il faudrait maintenant penser à lui redonner des rôles forts en conformité avec ses propres aspirations, l'actrice démontrerait qu'elle possède toujours beaucoup de talent. Les réalisateurs américains commenceraient-ils à penser comme les réalisateurs français qu'après cinquante ans on ne vaut plus un clou ? Damned, encore une forme grave de débilité profonde...     

VOLCANO, un film de Mick Jackson (1997) avec Tommy Lee Jones, Anne Heche, Gaby Hoffmann, Don Cheadle, Keith David. Musique de Alan Silvestri. Un film 20th Century Fox.

Encore un film catastrophe me direz-vous. Oui mais pas n’importe lequel. Après le premier du genre « L’aventure du Poséïdon » au début des années 70, de nombreux films se sont enchaînés avec plus ou moins de bonheur. « Le pic de Dante » fut fameux, « Volcano » sera fumeux. L’histoire est tellement invraisemblable qu’elle en devient totalement crédible et c’est ici le secret de sa réussite. Excellents acteurs, réalisation maîtrisée, effets spéciaux non spécieux mais spatiaux, la musique d’Alan Silvestri fait à nouveau des ravages. Bien dosée, elle saura rester calme et pondérée jusqu’aux débordements du volcan qui jailli sous Los Angeles, la ville des anges : l’orchestration symphonique jamais tonitruante fera alors des merveilles en soutenant parfaitement l’action. Dans cette situation désespérée ceux qui pourront prendre leur envol sont ceux qui pourront s’en sortir. Heureusement, toutes les bonnes volontés vont s’unir contre le mal absolu, celui que peut déclencher les entrailles de la Terre, l’éruption volcanique. C’est beau et tragique à la fois. Pendant le visionnage des séquences, lorsque chacun pense à sauver une autre vie que la sienne, on ne peut s’empêcher de penser que la solidarité entre les victimes est la conséquence d’une société soudée et bien organisée et c’est l’un des thèmes favori de la société américaine ; l'un de ses fondements auquel on adhère complètement. Par exemple la centralisation des secours en un commandement unique mené par l’héroïque Tommy Lee Jones permet de regrouper toutes les informations pour mieux répartir les interventions des sauveteurs. Un pour tous, tous pour un (un thème français et universel). La deuxième partie du film met en scène des citadins recouverts de cendre le visage hagard et ces images réalistes de désolation rappellent l’effondrement des tours jumelles du World Trade Center de New-York. La désorganisation des secours que l’on a dénoncé à l’époque était très éloignée de la réussite des acteurs de ce film de fiction. Au moment du drame véritable suivit en direct à la télévision et Alix se souvient encore de ces avions pénétrant dans les immeubles, des images pas si éloignées de la littérature et du cinéma, l'événement dont l'amplitude atroce n’avait jamais eu de précédent aux Etats-Unis arrêta la respiration du monde ; personne n'était préparé à un tel malheur. La réalité épouvantable de l’an 2001 venait de dépasser la fiction de 1997. Appréciation d'Alix sur le film : Excellent. La musique : Parfaite. 

Cliquez ici pour voir la bande-annonce du film (infos fan-de-cinéma)

Bruce Broughton est un hyperactif ; à la fois chef d’orchestre, compositeur, arrangeur, enseignant, conférencier, il consacre également du temps à la composition pour les jeux vidéos et autres musiques entendues ici et là (émissions, jeux, spots radio, jingles, téléfilms etc.) sans oublier la musique classique avec de nombreuses œuvres pour les instruments de l’orchestre, ses préférences se portant sur les vents. L’agenda de cet homme n’a donc rien à envier à celui d’un ministre et sa retraite n’est pas pour bientôt malgré ses 64 ans. Bruce Broughton est toujours partant pour un travail passionnant comme celui qu’il a pu effectuer dans « Le secret de la pyramide » en 1985, l’année de l’explosion de son talent car il signera aussi la partition de « Silverado » avant que Kevin Costner enfante « Danse avec les loups » cinq ans de préparation plus tard, une musique pour « Silverado » très mélodique et orchestrée selon les critères du genre : dynamisme et enthousiasme garantis avec les envolées des cordes, les cors glorieux, le rytme bien martelé et les arrangements « à la Elmer Bernstein (voir ici) ». Présent depuis longtemps comme compositeur occasionnel d’épisodes de séries T.V. (Gunsmoke, Hawaï police d’état, Sergent Anderson, Dallas, Pour l’amour du risque, L’âge de cristal…), sa musique n’est pas essentiellement mélodique à l’instar d’autres compatriotes plus inspirés par une écriture horizontale mais les idées de création musicale favorisant les ambiances souhaitées bouillonnent sous un crâne bien structuré : mener à bien une telle diversité de genres dans la composition verticale nécessite une organisation cérébrale de fer. La santé doit suivre aussi, ce que le public souhaite lui voir conserver  longtemps. Le mélange des genres existe depuis le début du cinéma où les musiciens interprétaient de la musique classique pendant la projection des films muets et rien n’est plus proche d’une bonne musique de film qu’une composition classique colorée, de Honegger à Delerue, de Copland à Bernstein, il n’y a qu’un pas. À l’écoute des symphonies classiques de Broughton on se demande donc s’il ne s’agit pas de la musique de son prochain film. Comme quoi tout est lié, ce qu’à parfaitement compris le compositeur. On l’envie !

Pour écouter des extraits de ses compositions, cliquez ici (site officiel)

Film « Le secret de la pyramide/Youg Sherlock Holmes » de Barry Levinson (1985) avec Nicolas Rowe, Alan Cox, Sophie Ward, Anthony Higgins, Susan Fleetwood, Nigel Stock, Patrick Newell et Frddie Jones. Scénario de Chris Columbus. Musique de Bruce Broughton. Un film Paramount présenté par Steven Spielberg. 

Le réalisateur Wes Craven nous a habitué à des films d’horreur devenus légendaires comme « La dernière maison sur la gauche », « La colline a des yeux » ou bien encore « Les griffes de la nuit » avec l’inoubliable Freddy (joué par Robert Englud). Après le terrifiant et très original « L’amie mortelle » il enchaîna les succès populaires : « Scream » et « Red Eye, sous haute pression » mais aussi, malheureusement, les échecs commerciaux avec « Un vampire à New-York » (Eddy Murphy y est pourtant formidable), « La musique de mon coeur » et « Cursed ». Très préoccupé par l’image, les cadrages, les mouvements de caméra, bref, tout ce qui fait l’intérêt de son métier de réalisateur, Wes Craven est parvenu à marquer de son empreinte le genre cinématographique. Il se détache de ses collègues par sa direction d’acteurs : chacun sait où, quand, comment et pourquoi il doit jouer d'une certaine manière et pas d'une autre afin d’assurer la réussite de ses images. Les scènes se succèdent de manière très liée pour soutenir au mieux l’angoisse et l’intrigue ; dans « Red Eye, sous haute pression » par exemple, les deux tiers du film se déroulent dans un avion d’où un huit clos oppressant suivi de prises filmées en extérieurs : créer plusieurs ambiances opposées et très différentes dans leur gestion technico-artistique dans un seul et même film relève bien de la haute performance, un travail rare salué unanimement par la critique et le public. L'acharnement tranquille de Wes Craven (c’est un homme qui ne s’énerve jamais sur un plateau de tournage) est lié aux messages qu’il souhaite véhiculer, il n'a pas été universitaire en psychologie pour rien ! En faisant reposer les scénarios sur un fond intellectuel souvent hautement philosophique malgré les apparences, ses films ne deviennent pas d’innocentes productions banales ou aseptisées. L’horreur, c’est l’image d’une giclée de sang d’un rouge vif qui émane puissamment d’un corps éventré mais c’est aussi l’angoisse produite par l’attente d’une image qui n’arrivera pas. On frémit de peur à l’idée que Freddy va apparaître et non au seul moment de son apparition. Faire peur dans la subtilité sont des ficelles du métier parfaitement acquises par le réalisateur qui peut suggérer l’horreur sans forcément la montrer, exception faite de sa première œuvre de jeunesse où il s’était autorisé des débordements sanguinolents  pour ne pas dire d'épouvantables scènes de boucherie (La dernière maison sur la gauche). Tout un programme !

La musique devient une alliée incontournable dans les films d’horreur en général et dans ceux de Wes Craven en particulier ; elle est très réussie dans « Red Eye, sous haute pression » en agissant efficacement dans le développement de l’ambiance malsaine antre le tueur et sa victime. Pas mélodique du tout, elle repose sur l’utilisation des synthétiseurs et des effets sonores usuellement utilisés par la grande majorité des compositeurs intervenant pour le cinéma. Par chance elle n’est pas excessivement lourde comme quelques collègues savent involontairement le faire. Italien exilé au États-unis pour perfectionner ses études musicales, il se lancera jeune dans la musique de film pour parvenir à la quarantaine rugissante avec un palmarès étonnant : on lui doit des réalisations d'importance dans leur genre fantastique ou horreur : « Scream, Mimic, The faculty, Dracula 2001, Terminator 3 - le soulèvement des machines, Trois enterrements... » et les films français « L'instinct de mort » et « L'ennemi public n°1 ». Sollicité dans son domaine d'intervention privilégié, Marco Beltrami s'y trouve très bien et ne semble pas vouloir en changer. Riche, célèbre et certainement très heureux (quel musicien ne le serait pas à sa place) pourquoi lui viendrait-il à l'idée de modifier une recette qui marche ? 

Son complice Wes Craven n'aura pas hésité, lui, à prendre des risques professionnels en embauchant comme premiers rôles dans ses films des acteurs peu ou très peu connus en leur temps : Sharon Stone dans « La ferme de la terreur » en 1980 et Johnny Depp quatre ans plus tard avec « Les griffes de la nuit ». Dans « Red eye, sous haute pression » il a volontairement recruté des acteurs pas encore affublés d'une grosse tête comme celle qui caractérise chaque vedette internationale : le film y a gagné en crédibilité et leur jeu, sous la direction du maître, a débouché sur un résultat de tout premier ordre. Un acteur - comédien irlandais, une actrice canadienne, un compositeur italien... Vivement la prochaine brochette de talents internationaux réunis autour d'un nouveau scénario en béton ce qui sera peut-être le cas prochainement avec la sortie de « My soul to take (titre français encore non défini) » ! Une affaire passionnante à suivre...

Honte une nouvelle fois à la presse française incapable d'apprécier une oeuvre complète et originale. Les meilleurs commentaires des rubriques spécialisées débouchent sur de pathétiques commentaires froids du style « La musique est assez réussie » ou « C'est un film plutôt pas mal ». Ces propos sont indignes d'un jugement qui se veut issu, censément, de grands connaisseurs avertis (pas le grand Averty, lui au moins, il savait de quoi il parlait). Pour lire le pire, cliquez ici (infos Cinéfil). Vous y découvrirez la bêtise des critiques enragés probablement jaloux et suffoqués par l'explosion de talents de « Faubourg 36 ».  Le plus grave, c'est qu'ils maintiennent les français dans une ambiance pseudo moderne où pour être crédible il faut parler vite et mal, vivre vite et mal, déprimer à longueur de temps et accepter tout et n'importe quoi. Le comportement immature et très orienté de ces critiques bon marché trouve sa source dans une méchanceté pas si gratuite qu'il n'y paraît (ils sont tendance car ils ont des journaux à vendre) ; le drame c'est qu'ils n'ont pas aidé le public à se rendre dans les salles de cinéma à la sortie du film. Lamentable. Les Inrockuptibles, Télérama, L'Express, Libération ou Le Monde pour ne citer qu'eux n'ont pas été à la hauteur de l'événement, à l'image de ces quelques français (plutôt jeunes ou en pleine crise de jeunisme) qui renient leur passé en acceptant n'importe quelle nullité quotidienne ; ils démontrent ainsi leur incapacité à apprécier une bonne musique surtout si elle est mélodique, douce et agréable. Boudés par l'Académie des César, le film aurait mérité l'Oscar du meilleur film étranger. L'équipe du film doit maintenant se rassurer sur l'estime acquise du public et non sur celle des professionnels trop méprisants vis-à-vis du geste élégant du réalisateur - musicien Christophe Barratier en direction de notre culture cinématographique commune bâtie sur la recherche de l'équilibre, de la beauté et de la simplicité. En réunissant autour de lui le gratin des talents artitiques du moment, en centralisant les valeurs sûres nommées amitié, solidarité, affection, tendresse, sympathie, Christophe Barratier a tapé un grand coup. Que cette audace lui soit au moins reconnue ! Livrons en pâture aux lions de l'arène les critiques amers, lourds, impersonnels, frustrés et sans âme. L'attitude destructrice des mauvais critiques est globalement liée à un manque d'éducation en l'absence de spontanéité, d'ouverture d'esprit et d'esprit critique, paradoxalement, sur ce dernier point il reste du boulot à fournir dans les écoles et à la maison ! Alors sachant que la gentillesse ne rapporte plus rien à leurs auteurs, formons notre progéniture à ce qui est beau et bon. Enseignons aux enfants l'amour du travail bien fait et commençons par leur acheter le DVD et le CD de « Faubourg 36 » afin de leur donner une base sérieuse, des références vraies et humaines et un exemple de ce que peut être une production artistique française et francophone de très grande qualité. Soyons clairs et précis... Camarades ! 

Robert Folk est « le produit » même de ce que le système américain de formation à la musique classique peut engendrer de meilleur. Contrairement à la France qui néglige de plus en plus son système éducatif et qui méprise tout particulièrement l’enseignement artistique spécialisé, un apprenti musicien motivé et déterminé pourra toujours outre-Atlantique se forger son chemin jusqu’au professionnalisme. Pour notre compositeur new-yorkais, son entrée dans la la cinquantaine démontrera qu'il est rapidement parvenu à ses fins : composer dans toutes les directions. Musicien classique formé à la très célèbre Juilliard school de sa ville natale, établissement mondialement connu pour ses centaines d’enseignants et invités de tout premier plan (musique, danse, théâtre, cinéma…), Robert Folk composera le thème de la suite de films célèbres « Police academy » avec le succès que l’on sait ; il n’y a pas que le film qui déborde de vitalité : explosif et complètement délirant, la musique prouve la capacité d’adaptation du compositeur. S’il ne revendique pas l’énorme travail de fond que représente l’orchestration de ses thèmes il n’en demeure pas moins compétent vu la multitude d’œuvres composées en faveur des interprètes de musique classique. Là, évidemment, il doit tout gérer de A à Z. Le système de travail américain basé sur le partage des responsabilités dans un collectif où les différentes parties sont très hiérarchisées mais interdépendantes (chacun à sa place doit donner le maximum de ce qu’il est censé faire en étroite collaboration avec les autres parties concernées) incite les arrangeurs de l’ombre à plancher sur les orchestrations de compositeurs attitrés. Robert Folk compose et dirige l'orchestre, les arrangeurs arrangent ses trouvailles, quoi de plus naturel ? Sur le fond, cela permet de donner du travail à tout le monde et peut-être aussi de révéler un jour de futurs grands compositeurs de musiques de films : Vladimir Cosma n’a-t-il pas émergé un jour grâce à Michel Legrand qui lui confiait ses arrangements… ? Du duo à la symphonie, du ballet à la musique de film, Robert Folk saura inventer des idées mélodiques que l’on pourra apprécier par exemple dans le prochain film de Freedman consacré à Vivaldi (avec Fiennes, Mc Dowell, Bisset et Depardiou) à l’instar de ce qu’à réalisé Forman pour Amadeus. Mélanger le classique et la musique de film ne posera aucun problème à Robert Folk sur le plan technique et artistique. Pour une seule et bonne raison : son surnom pourrait être Conceptuel. Entre Robert pour son classicisme et Folk pour son côté plus traditionnel, le destin s'invite parfois sur un registre d'état-civil.

Parler d'une personne sans la connaître n'est pas une démarche honnête car on ne peut que répéter ce que l'on a vu, lu ou entendu dire. En reprenant à son propre compte des propos rapportés ou un avis émis par d'autres, l'analyse du travail fourni par un homme ou une femme et présenté publiquement reste sans valeur. Ceux qui pourraient se laisser convaincre par la facilité de son propos seraient dupés à moins qu'ils ne sachent faire une chose simple et efficace : écouter. Une musique de film doit être écoutée avec attention même si sa première qualité doit rester la confidentialité ; en se fondant aux images qu'elles soutiennent, les mélodies et les orchestrations deviennent excellentes dans la discrétion. Dans une superproduction comme « True lies » de James Cameron avec Arnold Schwarzenegger et Jamie Lee Curtis en 1994, l'action et le suspense ne permettaient pas de faire dans la dentelle : les images violentes et fracassantes exigeaient une musique spectaculaire. Trompettes à la sonorité américaine (le son caractéristique des trompettes de marque Conn), cors, trombones, toute la gamme des instruments à vents est sollicitée y compris le renfort apporté par les sons électroniques. Les cordes ne sont pas en reste ni les percussions, évidemment. C'est donc à partir d'ici qu'il est possible de parler ou non d'un musicien même sans le connaître personnellement ; par son travail et son oeuvre, une personnalité se dessine peu à peu à l'écoute de son travail. En suivant sa carrière, l'évolution de l'artiste confirme tout le bien que l'on pensait de lui : Brad Fiedel est un brillant compositeur de musiques de films. Né en 1951 il traînera ses fonds de culotte de musicien professionnel alors débutant dans les couloirs des studios de la télévision pour laquelle il écrira et arrangera beaucoup : c'est en forgeant que l'on devient forgeron.... La rencontre qui dopera sa carrière dans les plus brefs délais s'appellera James Cameron. À partir de ce moment-clé de sa vie professionnelle, la mélodie aux qualités humaines jouera à cache-cache avec les sons métalliques et martelés des percussions annonçant les robots. Homme contre androïde, mélodie contre percussions et Brad Fiedel prouvera son talent au monde entier. No problemo, baby ! L'ère des «Terminator » entrera en 1985 dans sa première année d'existence et marquera une étape déterminante dans l'évolution de la musique de film et du cinéma en général ; on avait encore jamais vu ça ni entendu de semblables sonorités à l'écran. Un essai que Brad Fiedel transformera dans toutes ses compositions futures. Attention : ce musicien est un compositeur génial de tout premier plan. Quoi de plus naturel, le premier plan, dans la musique de film... 

Alix Adore les films et les musiques de Brad Fiedel qui sait composer dans la dentelle et arranger dans la finesse malgré son poids énorme de compositeur réputé de musiques de films.