La conquête de l’ouest américain restera pour toujours une fabuleuse aventure humaine ; elle restera également dans la mémoire collective comme un nouvel exemple de la capacité des hommes à s’entretuer. « Les visages pâles » auront tour à tour réduit à l’esclavage les noirs, massacrés les indiens et combattus les mexicains avant de se livrer bataille entre eux (guerre de Sécession). L’histoire des USA est donc parsemée de guerres, de conflits et de drames. À l’image de la construction des nations européennes et de toutes les nations du monde, elle reflète l’incapacité de l’être humain à s’intégrer sans violence dans un territoire déjà occupé par d’autres hommes et démontre que la société « moderne » ne peut se contenter de peu. Pas question de partager le bien acquis ! Au nom du progrès, on a régressé dans de nombreux domaines comme quoi il ne faut pas confondre évolution avec amélioration. Ce furent d’abord les Conquistadores qui imposèrent l’évangélisation aux peuples d’Amérique du sud puis vinrent les colons blancs ; débarqués en masse de la « vieille Europe » pour envahir le continent nord-américain du côté est, ils partirent à la conquête de l’ouest sauvage et furent rejoints par de nouveaux européens, des chinois et des latino-américains au moment de la ruée vers l’or. La nation américaine se sera malgré tout structurée dans un entrelacement rapide de désordre et de douleur.

Alfred Newman pouvait relever le défi de ce film fleuve. Auteur de la musique qui a fait rêver plusieurs générations de spectateurs avec l’air de l’orchestre de la Twenty Century Fox (le logo de début des films de la Fox avec ses projecteurs animés), il comprendra l’esprit conquérant et évolutif du film. Né en 1901 dans le Connecticut, il est fils d’ouvrier, l'aîné d'une famille de dix enfants et premier d'une grande lignée de compositeurs. Rien ne le prédestinait à réussir dans le domaine musical hollywoodien si ce n’est sa farouche volonté de devenir musicien. Enfant, il étudiera le piano en autodidacte et gagnera son argent de poche (de quoi vivre à l’époque) dans différents endroits où le piano assure « le bruit de fond », les salles de restaurants par exemple. Repéré dès 8 ans pour son talent de jeune prodige, il entreprendra en vedette à 12 ans une tournée dans les théâtres avec son mentor Grace LaRue (ça ne s’invente pas !) qui l’amènera à New-York. Il rencontrera et travaillera pour les plus grands compositeurs et musiciens des spectacles de Broadway : Gershwin, Kern et Rodgers. Puis il entrera par la grande porte dans le temple du cinéma en tant qu’accompagnateur d’Irving Berlin, un autre enfant de la balle, une autre référence incontournable en matière de compositions pour le cinéma. Qui pouvait douter à cet instant précis que le jeune Alfred allait devenir l'inspirateur des plus grands compositeurs du genre musical ? Tous celles et ceux qui l'auront approché  de près ou de loin ou mieux encore, qui auront pu travailler avec lui, resteront marqués par le talent immense et la générosité de cet homme hors du commun ; par ses trouvailles mélodiques et ses idées géniales en matière d'orchestration - il suffit d'écouter la musique de « La conquête de l’ouest » pour s'en convaincre - Alfred Newman restera à jamais le père de la musique de film. 

En 1930 débutera son étonnante carrière cinématographique. Il travaillera avec le producteur Samuel Goldwyn et occupera longtemps le poste très convoité de Directeur musical de la 20th Century Fox. Chef d’orchestre dans tous les sens du terme, il signera ou co-signera près de trois cents musiques et recevra directement ou indirectement 9 Oscars. Son frère Emil, sa soeur Maria, son frère cadet Lionel,  son petit-fils Joey (le fils de Lionel),  son autre petit-fils Randy (le fils de Irwing, son autre frère) et bien entendu son propre fils David en digne héritier paternel, deviendront tous célèbres en tant que compositeurs de musiques de films. Finalement cette grande constance artistique à travers les générations et la transmission du savoir-faire des Newman représente la réussite à l’américaine comme l'une des familles de « La conquête de l’ouest ». Trois générations de musiciens, c’est également le nombre de caméras utilisées pour tourner ce chef d’œuvre, un procédé rare, le Cinérama qui nécessite 3 projecteurs synchronisés dans 3 salles de projection. Diffusé sur 3 écrans, le son occupe plusieurs pistes afin d’immerger le spectateur dans l’ambiance créée par les 3 réalisateurs du film, Hathaway, Ford et Marshall. Aujourd’hui le cinéphile averti est comblé avec la sortie en DVD et en Blue Ray de ce monument du 7e art, une réalisation liée à la prouesse technique permettant de retranscrire la complexité du procédé original au format 16/9e. L'image ultra panoramique de ce film risquait de se retrouver sur nos petits écrans un peu trop à l'é... troit !

* Le DVD et du Blu-Ray disque La Conquête de l'ouest est sorti en France en novembre 2008. 

* Biographie complète d’Alfred Newman, cliquez ici (infos Wikipedia)

* Pour connaître les différentes phases de la conquête de l’ouest, cliquez ici (infos Wikipedia)

* Pour en savoir + sur un compositeur très prolifique, Irving Berlin, le pilier de la musique populaire américaine, cliquez ici (infos Le choix des libraires, en français et en anglais)

Pour en savoir + sur le procédé Cinérama, cliquez ici (infos Wikipedia)

L'arrangeur attitré d'Alfred Newman et des grands compositeurs de musiques de films s'appelle Ken Darby. Pécieux collaborateur dans la technique d'écriture, il n'en demeure pas moins un excellent chanteur talentueux et montera un groupe avec Bing Crosby : le Ken Darby Singers. Quant à la mélodie traditionnelle « Home in the meadow » entendue dans le film, elle est d'origine anglaise et se trouve être plus connue sous le titre « Greensleeves ». Datée du XVIe siècle, l'interprétation magistrale de l'actrice - danseuse - comédienne - chanteuse Debbie Reynolds reste inoubliable (voir ci-dessous Chantons sous la pluie). À noter également dans le film une superbe mélodie jouée à l'accordéon chromatique avec une musicalité rare dans une orchestration riche aux changements de tons fluides et limpides comme seul sait le faire Alfred Newman. Du très très grand art !

* Pour en savoir + sur le travail de Ken Darby, cliquez ici (fiche IMDB)

* Pour en savoir + sur la mélodie Greensleeves, cliquez ici (info Wikipedia)

Qui ne connaît la célèbre scène de la douche, celle où l’assassin s’approche du rideau un couteau à la main pour trucider la charmante créature qui se trouve de l’autre côté ? Cette scène du film « Psychose » a été reprise dans de très nombreux films. Il faut bien admettre qu’il s’agit d’un moment de pure angoisse. Les sons stridents des violons joués en glissando appuient magnifiquement les images. La peur et la mort sont les thèmes d’inspiration préférés de Bernard Hermann. Il a toujours eu la possibilité de choisir les films pour lesquels il composerait une musique sombre et pesante, possibilité offerte par ses deux réalisateurs favoris spécialistes du film à suspense, Orson Welles et Alfred Hitchcock. Puiser « dans le côté obscur de la force » des idées mélodiques et des trouvailles d’orchestration, pourquoi pas ? Tous les goûts sont dans la nature… À notre plus grande satisfaction car c’est grâce à lui que le genre musical s’est développé. Né à New-York en 1911, il dirigera l’Orchestre symphonique de la radio C.B.S avant sa première composition pour le chef d’œuvre « Citizen Kane » d’Orson Welles. Avec ce film qui aura révolutionné la technique cinématographique par l’utilisation d’un premier plan évocateur, des mouvements de caméras et des cadrages jamais effectués auparavant (ce film est cité en exemple dans les écoles de cinéma), Bernard Hermann se lancera à plein temps dans l’écriture et la direction d’orchestre.

Revoyez « La mort aux trousses » d’Hitchcock pour ressentir l’atmosphère lourde et angoissante de l’histoire, la musique de Bernard Hermann y est très présente. Accents, basses renforcées par les timbales, un mouvement mélodique généreux des cordes déchaînés et des vents agités le tout dans la tonalité mineure évidemment, voilà défini « le style Hermann » ! Sans oublier les guitares électriques dans « Le jour où la terre s’arrêta », les harpes et les percussions dans « Farenheit 451 » de François Truffaut, l’emploi de la gamme pentatonique, la musique sérielle et traditionnelle javanaise… Touchant à tous les genres, il était de formation classique et admirateur des grandes œuvres de Debussy et de Ravel qui l’inspireront fortement. Son livre de chevet restera le traité d’harmonie de Berlioz. Les cinéphiles du monde entier ne s’y tromperont pas et permettront au compositeur de se maintenir dans le métier malgré l’âge de la retraite. Hélas, il décèdera à 64 ans en achevant l’écriture de la musique de « Taxi driver » dont Scorsese lui dédiera le film, Palme d'or à Cannes en 1975. Son ami Elmer Bernstein réenregistrera ses anciennes œuvres dans les années 90. Un travail de mémoire indispensable compte tenu du nombre impressionnant de compositions pour le théâtre, les concerts, l’opéra, la radio et le cinéma. Non mais, ce sacré Hermann, quel bosseur et quel talent !

Biographie très complète du compositeur, cliquez ici (infos Wikipedia, en français)

Site officiel (en anglais) du compositeur : cliquez ici

Forum sur le film noir, photos et commentaires de films, cliquez ici (infos Film forum NYC Noir, en anglais)

Pour en savoir + sur Elmer Bernstein, cliquez ici (page spéciale du site Mélodies Modernes)   

Reinhardt Wagner, le compositeur français de  « Faubourg 36 » (voir ici) a écrit en 2002 une oeuvre symphonique en hommage à Bernard Hermann      

Le but d’une composition musicale pour la télévision est « d’accrocher » le téléspectateur. À l’écoute des premières notes du thème, chaque personne doit se sentir prête à répondre à l’appel. Les musiques des feuilletons, séries ou des émissions télévisées sont donc racoleuses dans le bon sens du terme. Avec la musique de l’émission/jeu « La chasse aux trésors » du début des années 80, le but fut atteint à la perfection comme savent le faire les meilleurs compositeurs de musiques de films. Joël Fajerman est de ceux-là. Enfant du rock, il passera du groupe d’amateurs éclairés à celui de professionnel chevronné avec l’apparition des premiers synthétiseurs. Il fera partie de la génération des nouveaux musiciens à l’esprit ouvert et curieux, attentif aux nouveaux sons électroniques dont ses aînés ouvriront la voie (Vangelis, Jarre et compagnie). L’introduction de la musique électronique à la télévision française en tant que musique de film et de générique d’émission sera pourtant une initiative de Joël Fajerman : jamais un générique ne sera aussi réussi, aussi exemplaire, un véritable coup de maître ! L’émission/jeu « La chasse aux trésors » elle aussi inégalée a marqué notre mémoire par son originalité ; elle reposait sur une performance technique audacieuse à l’époque et les cœurs des fans furent meurtris après le décès de plusieurs protagonistes : reverra t-on un jour les exploits de Philippe de Dieuleveult et de ses acolytes en DVD nous qui avons gardé du bleu dans nos passeports ? Quant au compositeur, on lui doit de nombreuses autres créations… Et ce n’est qu’un début croyez-le bien !

Biographie et présentation du compositeur, cliquez ici (site officiel, infos 1212)

Pour tout savoir sur « La chasse aux trésors », un site de passionnés nostalgiques et on les comprend, cliquez ici (infos Site perso. Orange)

Pour écouter un descriptif parfait de la musique de l’émission, cliquez ici (infos Membre Lycos)

La solution à l’éternelle question « Comment vais-je réussir dans la musique ? » tient en deux mots : travail et rencontres. Le parcours de Gérard Calvi (Grégoire Kettly de son vrai nom) est exemplaire à plus d’un titre. Le musicien aura su gérer des études classiques de très haut niveau qui exigent donc rigueur et discipline (Grand prix de Rome de composition en 1945) avec des activités liées au spectacle nécessitant fantaisie et distraction ; c’était le temps des Branquignols avec Robert Dhéry et son équipe. Mais quand on y réfléchi bien, l’un ne va pas sans l’autre et la réussite d’un musicien de formation classique de base qui s’oriente vers le théâtre ou la chanson de variété n’exige pas moins de travail et de respect. Gérard Calvi sera capable de briller dans tous les domaines musicaux : le classique avec un concerto pour piano, des œuvres de musique de chambre, des symphonies, le lyrique avec des opérettes et autres créations théâtrales mais aussi le jazz, le spectacle de variété, les chansons célèbres pour Piaf, Renard, Sinatra ou Minnelli… Pourvu du sens de la dérision et d’un tempérament joyeux, l’humour sera présent ou du moins toujours sous-jacent dans son écriture mélodique et harmonique. Ces compositions lui vaudront la reconnaissance de la profession en France comme à l’étranger. Sa collaboration avec Pierre Tchernia en 1974 dans le film « Les gaspards » par exemple démontre qu’avec du travail et des rencontres heureuses, le talent fait le reste. Mais après ce constat, les deux mots travail et rencontres ne suffisent plus à répondre à la question du jour. Il faudrait finalement y rajouter ces deux-ci : chance et talent. Si vous entendez ce que je veux dire…

Biographie de Gérard Calvi, cliquez ici (infos Pages Perso. Orange)

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Parler de Franck De Vol est difficile car c'est un homme discret mais il est aisé de tout savoir ou presque sur le personnage en écoutant sa musique. Avec son sens inné de la mélodie, du rythme et de l’orchestration, on sait à quel point l’enthousiasme a guidé son parcours musical. C’est la caractéristique des meilleurs, rien ne pourra jamais tarir leur passion du métier. Le seul combat à mener est la lutte contre le temps qui passe car une vie ne suffit pas à exprimer l'ensemble de son talent et de ses capacités créatrices. À sa naissance en 1911 à Moundsville en Virginie non loin de la chaîne de montagnes des Appalaches si superbe au printemps, les parents de Franck De Vol l'imaginaient bien adulte en costume d’avocat. Issue d’une famille pas vraiment riche ni pauvre mais fortement impliquée dans son époque et dans sa grande communauté (son père était un honnête comptable et dirigeait un petit orchestre, il s’occupait aussi du théâtre local pendant que la mère du petit Franck gérait un atelier de couture), il rejoindra adolescent un orchestre d’étudiants puis la fameuse « bande à Horace Heidt », ce musicien-homme d’affaires qui aura fait tourner des instrumentistes devenus par la suite aussi célèbres que lui, Dominic Frontiere par exemple voir ici. Franck DeVol scellera sa vocation : il jouera dans un orchestre jusqu’à l’âge de 40 ans avant de devenir compositeur de magnifiques musiques de films. Pour illustrer les œuvres qui racontent l'une et l'autre une brève partie de l’histoire des Etats-Unis, le grand Franck s’inspirera de sa propre expérience ; il n’oubliera jamais les difficultés liées à la grande crise des années 30 ni les problèmes de racisme d’un état, la West Virginia, pourtant restée fidèle au gouvernement abolitionniste de Washington en 1863. Franck De Vol sera l'un des pionniers de la normalisation de la relation entre les individus en acceptant dans son orchestre des femmes ou des hommes à peau noire en ne se souciant que de leurs qualités musicales et de rien d'autre à une époque terrible où une partie de la communauté des pays du sud rejetait tout changement. Acteur, compositeur, parolier (auteur de lyrics), chef d’orchestre, arrangeur, violoniste et saxophoniste, la polyvalence du musicien lui vaudra une vie professionnelle riche et variée. Malheureusement sa vie sentimentale se soldera par les décès de ses deux épouses successives, drames dont il se remettra difficilement jusqu’à sa disparition en 1999 à Lafayette. Sa musique restera pourtant toujours emprunte de gaieté, d’optimisme et de spontanéité, celle pour le film « L’empereur du nord » voir ci-contre et ci-dessous étant probablement le meilleur exemple ; impossible de ne pas citer également le très délirant « Cat Ballou » en 1965 avec Jane Fonda, « Fureur Apache » en 1972 avec Burt Lancaster dans un film au scénario invraisemblable et psychologiquement nul et toujours avec Lee Marvin, son ami et acteur préféré, « Les douze salopards » lui aussi réalisé par un Robert Aldrich qui alterne l'excellent et le moins bon. 

Franck DeVol aura enregistré et édité plusieurs albums dont une reprise des plus grands thèmes de musiques de films et un pot-pourri (un medley) reprenant les envolées mélodiques d'Irvin Berlin.

L’EMPEREUR DU NORD, un film de Robert Aldrich (1973) avec Lee Marvin, Ernest Borgnine, Keith Carradine, Charles Tyner. Musique de Franck DeVol (paroles de la chanson « un homme et un train » d’Hal David chantée par Marty Robbins). Un film Twenty Century Fox. Distribution exclusive Opening (France) avec la participation du C.N.C.

« 1933. Au comble de la Grande Dépression, les vagabonds errent au travers du pays, empruntant les voies ferrées en quête d’un emploi. Méprisés par la société et sans abri ils forment une population à part. Des nomades n’obéissant qu’à leurs lois. Le chef de train, dévoué à leur perte, se tient entre eux et leur unique moyen de survie : les trains ». C’est par cette description sommaire et terriblement réaliste que commence ce film hors du commun. Quand ils furent pressentis pour interpréter ces rôles d’américains soumis à une situation de misère, ils n’avaient plus à démontrer leur talent, tous possédaient déjà depuis longtemps un solide bagage. Lee Marvin et Ernest Borgnine sont de « vieux routiers » du septième art et ils explosent de naturel dans ce film tant leur présence crève l’écran : ils ne sont pas des boute-en-train mais il sauront trouver leur voie dans un environnement hostile, terrible, dramatique. Et si c'était une voie de garage ? Une chose est sûre, leur combat contre l'adversité et la sauvagerie du chef de train va tous les faire dérailler. Gare aux dégâts ! Dans « L'Empereur du nord », Keith Carradine (le frère de David Carradine « Kung Fu », cliquez ici) est lui aussi excellent. La mise en scène de Robert Aldrich, les cadrages, les mouvements de caméra, la lumière, la photographie… et la musique de Franck DeVol confèrent à cette superbe production le titre de grand film incontournable. Comme d’habitude, le doublage français est lui aussi extraordinaire. Alors dépêchez-vous d’acquérir ce petit bijou bourré d’humanisme et de férocité (la violence n'est pas gratuite) tout à l’image de la période historique traversée par le cheval de fer avant que l’économie mondiale actuelle ne nous précipite à nouveau dans une nouvelle et inextricable dépression…

Pour en savoir + sur le compositeur Franck De Vol, cliquez ici (infos d'un fan de musiques de films, en anglais)

CONFIDENCES SUR L'OREILLER (Pillow Talk)  un film de Michael Gordon (1959) avec Doris Day et Rock Hudson. Musique de Franck De Vol. DVD Universal studios.

Ce film est un vaudeville comme on les affectionnent en France. Un homme veut regagner l’amour d’une femme qui lui a retiré sa confiance mais le troisième personnage ne l’entend pas ainsi surtout qu'il s'agit de son patron et qu'il aime sa promise… Bref, on connaît l’histoire mais traitée de manière légère, agréable et dynamique, impossible de bouder son plaisir. Rock Hudson démontre vraiment son talent d’acteur en séduisant de belles jeunes femmes (une vraie performance d'acteur, disais-je...) et Doris Day, c’est vrai, sait tout faire comme les meilleures actrices d’outre-Atlantique : jouer la comédie, chanter, danser… La musique de Franck De Vol, une nouvelle fois, assure la continuité des situations  des scènes et la cohérence de l’ensemble avec une mélodie humoristique, bien sûr, mais qu’il saura avec intelligence mettre à toutes les sauces : du classique au jazz en passant par le traditionnel, l’orchestration témoigne de la grande qualité musicale de ce film. En ce temps-là, les violons étaient à l'honneur, les cordes vibraient sur la chanterelle... Inutile de de demander quels sont ces sons qui sifflent sur nos têtes et qui brillent comme un petit bijou sans prétention : ils sont si plaisant au toucher et si ravissant pour les yeux, si musicaux à nos ouïes exercées, pour sûr, c'est du Franck De Vol !

Au début il y eut les frères Lumière. Ils ne furent probablement pas les seuls mais là n’est pas la question. Ils n’étaient peut-être que de simples inventeurs d’images animées projetées par la lanterne magique, certes, mais encore fallait-il y penser ! Le but du jeu consistait en une reproduction du mouvement comme celui de l’athlète ou du cheval ce qui faisait réfléchir les scientifiques et forçait déjà l’admiration du public : la vie venait d’investir le papier animé et franchissait une nouvelle dimension. C'est en imaginant dans son rêve le procédé indispensable pour projeter les images de la pellicule que Louis Lumière inventa en 1894 le cinématographe moderne (voir photo ci-dessous). Il fallait vraiment trouver ça : arrêter une micro-fraction de seconde chaque image pendant le défilement de la pellicule pour permettre le passage d'une quantité suffisante de lumière. Les images de Lumière devenaient subitement lumineuses. Edison et les autres concurrents étaient largués, on fabriqua en quantité industrielle le nouveau boitier magique qui faisait tout (prise de vues, réalisation des positifs et projection). La France était le centre du monde en faisant son cinéma. La musique, elle, devenait musique d’accompagnement ; le pianiste classique en manque de public ou le musicien de rue de passage dans le coin aidait à renforcer l’impression fantastique des moments privilégiés. Les premières salles s'ouvraient à Lyon, les passants étaient dépassés par le phénomène, du monde de l’imaginaire on entra rapidement dans le monde du réel. Le cinéma marquait des points et prenait ses marques de futur art majeur. Avec « L’entrée en gare du train de La Ciotat » comme évoqué dans l'article sur John Williams (voir ici), l’émotion invertissait les murs de projection puis l’humour prit la forme de « L’arroseur arrosé ». C’est que Méliès lui aussi venait de passer par là. Il était écrit que son film très imaginatif « Le voyage dans la Lune » marquerait définitivement les esprits : « Je le vois, donc c'est vrai » pensait-on. Ainsi, au début du 20e siècle venait de naître la domination de l’image sur les autres sources d’informations à notre disposition (le toucher, l’écoute, l’odorat et le goûter), situation qui ne changera plus jusqu’à nos jours. À la fois pour notre plus grand bien et notre plus grand malheur, hélas.

Le commerce entra dans le jeu. Du stade gentillet on passait à la vitesse supérieure, il faut avouer qu’il y avait de l’argent à se faire ! On fabriqua des salles de projection et pour épater toujours un peu plus la galerie et égratigner la concurrence, les films devinrent beaux, colorés (grâce à un brevet déposé par Louis Lumière, encore !), éclairés dans de somptueux décors théâtraux, la mise en scène, la direction d’acteurs, le métier même de comédien… et la musique, tous prirent une place prépondérante. Les compositeurs classiques français s’y frottèrent, Satie, Honegger, Milhaud et l’allemand Meisel dans « Le cuirassé Potemkine ». Les américains, pendant ce temps là, gros spécialistes du commerce, montaient des studios de production et se lancèrent dans une concurrence effrénée (mais ils adorent ça paraît-il !) : la Fox, la Paramount, la Metro Goldwin Mayer, la Warner, l’Universal… Grâce à la prise de son, les cabines d’enregistrement sortirent du sol et Charlie Chaplin finit bien par admettre que le cinéma muet allait disparaître corps et âme, entraînant à sa perte l’amélioration constante de la perfection des images à laquelle il aura magistralement contribué. Place à l’industrie ! Produire vite, beaucoup, bien et pas cher quoiqu’il arrive, les nouveaux commandements s’imposèrent. La compétition entre studios incita tout de même les producteurs (les financeurs) à faire mieux, toujours plus haut et plus fort, que le voisin. « Et si on allait faire un tour du côté des théâtres de Broadway ? ». Ainsi vit le jour la comédie musicale filmée. C’est une autre histoire dans l’histoire…

L’influence de George Gerswin sur les carrières des artistes d’Hollywood fut immense. Musiciens, chanteurs, danseurs, tous se battaient pour utiliser au mieux ses géniales compositions. Son succès, il le devait aussi à son charisme : toujours soucieux de partager sa passion et son talent, il savait s’entourer d’une bande d’amis sincères et fidèles sans oublier de soutenir les stars naissantes. Très productif, ses musiques étaient utilisées à l’occasion de spectacles dans les théâtres de Broadway. Fred Astaire avait déjà dansé sur bon nombre de ces compositions. Avec sa sœur Adèle il forma un duo remarquable avant quelle ne se décida à se marier à un lord anglais. Par ce contre-pied elle laissa son frère « sur le carreau » stoppant net leur fructueuse collaboration. Démuni et « pris de court », Fred Astaire se tourna vers Hollywood. En entamant une nouvelle carrière professionnelle, il ne savait pas encore que ce sacré cinéma le transformerait rapidement en une légende vivante. Un film « Carioca »  en 1933 relança son amour du métier et le propulsa tout en haut de l’affiche… derrière une vedette avérée aux multiples prestations filmées : Ginger Rodgers. « Carioca » est un film qui paraît bien désuet aujourd’hui mais qui fut dans ces années de grande dépression économique très en avance sur le plan de la technicité cinématographique. L’action fut censée se dérouler en Amérique du sud mais en fait une bonne partie du film fut tournée à Hollywood dans les décors des studios RKO, le producteur du film. Ce fut quoi qu’il en soit le numéro exceptionnel des deux danseurs qui frappa les esprits.

Même souplesse, même plaisir, même naturel, le duo Rodgers/Astaire venait de franchir un cap nouveau en permettant à la comédie musicale américaine d’entrer dans son « âge d’or ». Tour à tour comédiens, chanteurs, mimes et danseurs, leur numéro bouleversa les critères généralement retenus pour justifier le tournage d’un film ; les claquettes habituelles et conventionnelles cédèrent le pas aux scènes gracieuses toutes empruntent d’un velouté indescriptible tant il est visuel, les stéréotypes explosèrent (le bon et le méchant) en une multitudes de tableaux terriblement réalistes avec ses personnages intéressants et pensés. Les scènes étaient plus complexes, plus évoluées avec des mouvements de caméra encore peu usités ; l’intrigue, compliquée avec ses rebondissements imprévus, révélait la sensibilité et l’expression qui crevèrent l’écran. Action, sentiments, psychologie simple mais efficace, à toutes ces nouvelles composantes utilisées dans les productions suivantes du duo Rodgers/Astaire (on ne change pas en Amérique une équipe qui gagne et qui rapporte succès et dollars…), deux compositeurs de renom apportèrent leur géniale contribution : Irving Berlin et Cole Porter. Un autre duo de choc. Ils ne travaillèrent pas ensemble mais chacun de son côté inventa les mélodies porteuses de tous les espoirs : celui d’un monde merveilleux, sentimental, dépourvu de guerre et de violence où l’amour platonique entre deux êtres formait une voûte inébranlable, le modèle de référence d’une société dite moderne. Entre le crack boursier et les bruits de bottes allemandes, la décennie fut résolument celle du cinéma.

Pour en savoir + sur Fred Astaire, cliquez ici (infos Wikipedia)

Photo 1 ci-dessus : Fred Astaire et Ginger Rodgers dans 'En suivant la flotte' - Photo RKO / Photo 2 ci-contre :

*  film 'Manège royal' de Stanley Donen, musique de Burton Lane, histoire et paroles d'Alan Jay Lerner (1951). Trocadero   film library - Hollywood memories / M6 Video, France.

* film 'En suivant la flotte' de Mark Sandrich (1936), musique d'Irving Berlin, scénario de Dwight Taylor d'après la pièce de théâtre 'Shore Leave'  Éditions M Montparnasse, France, également distribué par les Éditions Atlas. Buena Vista Home Entertainment France.