Les musiques de films (IV)

Impossible d'évoquer la musique de film sans penser à lui. Impossible d’écouter une musique de film sans se souvenir d’une de ses mélodies. Impossible de parler orchestration sans se référer à ses arrangements colossaux. Je veux parler de Michel Legrand. Dès l’âge de quatre ans, un film avec Tino Rossi en chef d'orchestre lui fait choisir sa voie. Il n’en démordra plus. C’est que bon sang ne saurait mentir : son père, Raymond Legrand, professionnel reconnu dans la musique instrumentale, lui permet de faire ses premières armes dans le métier. Sa mère est chanteuse (elle double Catherine Deneuve dans Les parapluies de Cherbourg) et son oncle est un célèbre chef d'orchestre, Jacques Hélian. De sérieuses études musicales à la clé, « le petit jeune qui promet » travaille comme un forcené ; vous savez, c’est ce genre d’investissement personnel que seuls les vrais passionnés romantiques peuvent connaître : ce n’est pas l’arrivisme qui le pousse en avant, c’est le rêve et l’espoir qui le projettent dans le futur. Le réalisateur François Reichenbach lui ouvre les voies du succès avec le documentaire « L’Amérique insolite » et dès 1959 le Spoutnik Legrand est lancé sur orbite : c’était écrit, La Nouvelle vague du cinéma français ne pourrait se concevoir sans lui.

Camarade, il ne le fut pas que sur le papier à musique ; les amitiés du compositeur avec les meilleurs réalisateurs mondiaux de films et la reconnaissance de son immense talent permettront de créer les occasions nécessaires vers l’explosion de ses énormes capacités artistiques. Tel « Une pierre que l’on jette dans l’eau vive d’un ruisseau et qui laisse derrière elle des milliers de ronds dans l’eau » (paroles françaises de la chanson « Les moulins de mon cœur » du film « L’affaire Thomas Crown »), Michel Legrand rebondit sur les commandes, plonge dans l’inspiration et ressort toujours la tête hors de l’eau. Promis/juré, il ne se noierait pas dans le déferlement de l’Océan Pacifique qui allait naturellement monter au galop en risquant de changer sa nature, ses convictions et sa personnalité. Michel Legrand est resté plus fort que le chant des sirènes hollywoodiennes, il est devenu un raz-de-marée qui submerge tout sur son passage et même les plus récalcitrants resteront marqués par son génie. C’est que personne n’y croyait, en France, au film « Les parapluies de Cherbourg » mais la ténacité des copains de l’époque (le grand Francis Lemarque faisait partie de la bande) et l'estime du public déboucheront sur d’autres amitiés, américaines celles-là : Henry Mancini le prendra sous son aile protectrice. Recommandé à Norman Jewison, il écrira cette fameuse musique du film « L’affaire Thomas Crown »… Le frenchy débutant aux States obtiendra immédiatement son Oscar et le succès planétaire le propulsera vers de nombreuses autres sollicitations. Continuellement à la recherche de nouvelle idées et de défis à relever (comme la composition du film « Un été 42 » réalisée en quelques heures et qui demeure un vrai bijou pour les oreilles), ce voyageur des cinq continents, pianiste de jazz émérite, jouera avec les plus grands. C'est que Legrand et les grands sont unis pour toujours !

INDIGÈNES,  un film de Rachid Bouchareb (2007) avec Roschdy Zem, Samy Naceri, Jamel Debbouze, Sami Bouajila... Musique d' Armand Amar. 

Pourquoi ce film est-il remarquable ? Pour le scénario qui sonne tellement juste, pour la réalisation parfaite, pour les cadrages et la photographie d’une grande beauté qui n'enlève rien au réalisme des scènes ce qui est déjà en soi une performance, pour les acteurs qui effectuent une excellente prestation dure et pleine de finesse à la fois avec un Roschdy Zem époustouflant (on devrait le voir beaucoup plus souvent dans de grandes productions cinématographiques !)… Les qualités contradictoires caractéristiques des grandes oeuvres sont parfaitement maîtrisées et on retrouve dans la musique du film des éléments forts qui pourraient s’opposer mais qui, finalement, s’accordent : la musique est présente et discrète, africaine et moyen-orientale, symphonique et légère, aux sonorités d’instruments classiques et traditionnels, tout cela à la fois. Le chanteur Cheb Khaled possède une voix chaude, magnifique de puissance dans une tessiture très étendue ; avec la musique d'Armand Masar ils donnent tous deux un relief et une profondeur aux images et à l'action du film. À l’instar de sa réalisation pour « Indigènes », le compositeur de la musique du film venait déjà de donner le ton de la série incontournable « La Terre vue du ciel » de Yann Arthus Bertrand et des films « Amen » de Costa-Gavras, « Bab’ Aziz » de Nacer Khemir et « Le couperet » de José Garcia, entre autres créations. Dans « Indigènes », toutes les composantes sont réunies pour permettre au spectateur d’entrer dans l’histoire du film et de celle de ses hommes à la destiné incroyable. Il est à noter que le film a aidé à la prise de conscience et à la reconnaissance collective très tardive de la société française et de ses dirigeants successifs sur le sort des anciens combattants du continent Africain pendant la dernière guerre. Tant de promesses simples et légitimes leurs avaient pourtant été faites, à ces héros jusqu'ici délaissés dont beaucoup sont morts pour la France Libre… Nous leur devons une reconnaissance éternelle.

Armand Amar a également composé la musique du film « Comme ton père » de Marco Carmel, « Home », « Le concert » et la musique du téléfilm « Sagan » sur la vie de la très spéciale Françoise Sagan (avec l'excellente Sylvie Testud). Quant au nouveau film de Rachid Bouchareb « Hors-la-loi », il crée l'évènement au Festival de Cannes 2010. Tant mieux et merci car il était temps de sortir des rails en réveillant les gens et les choses par la plus belle invention de l'homme. Le cinéma !  

Rassurons-nous : le témoin n’est pas encore transmis et Vladimir Cosma nous surprendra toujours, comme il sait le faire notamment dans ses œuvres dites « plus sérieuses », œuvres à résonance dramatique et non présentées dans le cadre d’une musique de film, ce genre musical qui souffre toujours du manque de reconnaissance de quelques critiques idiots ou de mauvais coucheurs du showbusiness sans parler du mépris manifesté par le monde antipathique et sclérosé de la musique classique, exception faite des meilleurs à l'esprit forcément ouvert et réceptif à toute forme de création artistique... Vladimir Cosma pourra toujours se rassurer en constatant son succès auprès du grand public qui lui est acquis et très fortement reconnaissant.

* Voir aussi dans ce site la critique d'Alix sur le film Le Jouet, cliquez ici

* Biographie complète et liste des compositions de Vladimir Cosma, cliquez ici (info. Les mille et une heures d'Arkadia) 

* Un talent reconnu sur le Portail de la Sacem, cliquez ici

N.B.  Ne pas confondre le compositeur Vladimir Cosma avec le compositeur Joseph Kosma, père de nombreuses chansons françaises devenues très populaires (Les feuilles mortes, par exemple). Pour en savoir + sur ce dernier, cliquez ici (infos France Hongrie 13, en français).

À NOTER : Vladimir Cosma se produira en concert, fait rare, au Théâtre du Châtelet à Paris le 9 mars 2010. 

Son style, il l’a importé avec lui d’Angleterre et son statut d’européen (culture, sensibilité, état d’esprit, vision du monde), son caractère (il aime la musique sombre, nostalgique et par conséquent les tonalités mineures) son goût certain (il vivra le grand amour avec Jane Birkin avant l'apparition d'un certain Serge...)  doublé d’immenses capacités à inventer les sons qui valorisent le film auquel ils sont destinés, feront justement de John Barry le compositeur atypique parfait pour les films du circuit du cinéma indépendant comme des grosses productions hollywoodiennes. Il composera également des comédies musicales à gros succès ou au contraire qui ne tiennent l’affiche qu’une semaine mais peu importe, dans un cas comme dans l’autre, lorsqu’on a du talent, il trouve à s’exprimer coûte que coûte, j’en veux pour preuve l’un de ses récents albums hors cadre de film, « Eternal echoes » (2001) où il laisse libre cours à ses déambulations spaciales et musicales. John Barry serait un mystique que cela ne m’étonnerait pas ! Les années 80 verront la sortie de thèmes magnifiques joués par exemple à l’harmonica ou aux flûtes traversières sur fond de violoncelles romantiques, ces basses qui développent un mouvement mélodique d'accompagnement (contre-chant ou gammes et arpèges sur les notes des accords) qui donnent « un son » particulier à ses compositions.

Aux premières notes apparaîssent les premières images et l'auditeur sait immédiatement qu’il s’agit d’une musique de John Barry. Car ses musiques sont formidablement imagées. Les réalisateurs le resentent tellement fort qu'ils n'hésitent pas à donner souvent « carte blanche » au compositeur : le temps des scènes est déterminé en fonction de la durée nécessaire à la musique pour s'exprimer, pour se développer, ce qui crée ainsi une ambiance cinématographique très réussie. Le spectateur/auditeur en sort rarement indemne. Les mouvements mélodiques des parties basses de ses orchestrations, les violoncelles principalement, sont caractéristiques à son écriture ; on les retrouve dans l'excellent « King Kong » du réalisateur John Guillermin : rien de moins qu'une suite d'accords débouchant sur une suspension inquiétante du temps et un thème principal d'une grande beauté, mais vraiment d'une beauté rare, enchaîné dans de formidables changements de tons avec toujours ses contre-chants magnifiques -. Les premières compositions de John Barry sortaient déjà du lot, rappelez-vous son premier succès mondial « Vivre libre » pour lequel il obtint 2 Oscars entre 1966 et 68 avec ce film et « Un lion en hiver » -. Vinrent ensuite « Les aventuriers du bout du monde/High road to China », un bon film d'aventures avec Tom Selleck sur une des meilleures partitions de John Barry proche de celle de « King Kong » puis un film plutôt calme contrairement à son titre français totalement décalé « La guerre des abîmes, Raise the Titanic » en 1980 avec Jason Robards - c'est l'une des partitions préférées des fans du compositeur car elle est caractéristique de son style mais elle demeure trop répétitive tout au long du film -, « Quelque part dans le temps », l'étonnant et détonnant « La guerre de Murphy » avec un excellent Peter O'Toole et notre regretté Philippe Noiret, le placide « Out of Africa » avec un accord curieusement raté dès le début du thème pricipal du film, un frottement malheureux et désagréable entre une note descendante de la mélodie et le mouvement harmonique montant comme quoi ça arrive même aux meilleurs, une faute d'inattention qui ne l'a pas empêché d'obtenir une nouvelle fois l'Oscar de la meilleure musique de film. Puis l’ultra célèbre « Danse avec les loups », une sublime musique envoûtante avec toujours à chaque fois un « Love theme » délicat et sensible tout à l’image du personnage, puissant et discret à la fois. Un nouvel exemple de ces qualités contradictoires mais complémentaires que possèdent les plus grands compositeurs de musiques de films. Avec John Barry, nos oreilles ont beaucoup de chance !

Pour écouter le générique de la série télé « Vivre libre », cliquez ici (site Coucoucircus)

Toutes les références des meilleurs CD par un fan du compositeur, cliquez ici 

Jack Nietzsche était un compositeur très particulier. Né dans une famille d’origine allemande, le jeune musicien intégra dès le départ le mouvement hippie des années 60 et sa musique aura influencé l’expansion de la culture rock’n’folk (le garage rock par exemple, inspiré du rock anglais et précurseur du punk ou le surf né dans les environs de Los Angeles ; pour en savoir + sur les différents types de musique rock et pop., cliquez ici, infos Atmospheria). Avec ses amis new-yorkais il fréquente les lieux de rencontres des musiciens très populaires de la Beat generation (Neil Young, les Rolling stones…) ; Beatnik dans l’âme comme dans son look vestimentaire très tendance, Jack se lancera dans la production discographique avec son pote Phil Spector, un compositeur/preneur de son/producteur hors normes et inventeur du « mur du son » (voir ici Wikipedia). Son écriture pour le cinéma sera remarquable avec la musique du fameux film d'horreur « l’Exorciste » (1973) où sa maîtrise de la technique de l’orchestration pour le cinéma se fait sentir. Par l’utilisation d’un thème leitmotiv et de la musique atonale, Jack Nietzsche démontre sa capacité à retranscrire musicalement à l’écran un scénario très dur et pénible : il faut être fort pour saisir l’émotion dégagée par des images reposant sur l’obsession, l’angoisse, la peur, la folie….. Ceci est vrai pour l'excellent film « Starman », une fable écologiste et humaniste élaborée suite à l'envoi de la sonde Voyager II dans l'espace, engin porteur d'un message de bienvenue à l'intention des extraterrestres. Autre exemple d'une intensité dramatique rare, le non moins fameux « Vol au-dessus d’un nid de coucou » où la musique s’adapte parfaitement bien aux situations.

Dans ce film justement, le thème lent et indolent joué à la scie musicale évoque la perte de ses capacités intellectuelles, une manière d'illustrer musicalement la folie humaine en employant des intervalles importants (l'octave) dans la mélodie nébuleuse des sons liés, évaporeux et approximatifs de la scie qui tranche ainsi avec la dureté du scénario : quelle fameuse idée ! Suivra la période New age des années 80 où le musicien complet (compositeur, mélodiste, arrangeur, producteur) saura encore faire parler de lui. Il décèdera jeune en août 2000, à 63 ans seulement, fidèle à son image d’homme génial terriblement bon vivant et actif mais qui aura peut-être brûlé la vie par ses deux bouts.

Le récent film de Quentin Tarentino avec Kurt Russel « Boulevard de la mort, Gun house » (bande-annonce vidéo ici) sur les écrans depuis 2007 commence par une musique de Jack Nietzsche, un hommage aux films de série B des années 40 et 50 et à la présence du compositeur au début de notre période francophone yéyé.

Pour en savoir + sur Jack Nietzsche, cliquez ici (infos Wikipedia en anglais et en français) ou ici (infos Spectropop) 

Pour en savoir + sur le chef-d'oeuvre « Vol au-dessus d'un nid de coucou », lisez l'article ci-dessous

D'autres films plus récents évoquent la folie d'un homme à la double personnalité : « Mr Brooks » de Bruce A. Evans (2007) avec Kevin Costner, Demi Moore, Dane Cook, William Hurt, Marg HelgenBerger dans le rôle de l'épouse et la jeune Danielle Panabaker dans celui de sa fille très compréhensive... Un assez bon film. Les européens et les français également savent décrire les tourments criminels des psychopathes, on se souviendra de « Harry, un ami qui vous veut du bien » (2000) de Dominik Moll avec Sergi Lopez (voir ici la critique d'Alix) ou  « Le couperet » (2004) de Costa-Gavras avec José Garcia... Heureusement qu'il n'y a pas de mal à se faire du bien avec du bon cinéma ! Dans le décevant film « Le roi de Californie » avec Michael Douglas en 2007, le compositeur David Robbins utilisé la même scie musicale entendue dans « Vol au-desssus d'un nid de coucou », une forme d'hommage prouvant que Jack Nietzsche avait vraiment trouvé l'instrument idéal pour évoquer la folie d'un homme !

Vol au-dessus d'un nid de coucou. Ce film est un chef-d'oeuvre du 7e art. D'abord livre à scandale et à succès de Ken Kesey puis pièce de théâtre interprétée par Kirk Douglas, le film vit le jour grâce à la ténacité de son fils Michael et de Saul Zaentz. C’est que personne ne voulait de ce scénario, d’ailleurs, même la pièce de théâtre s’est arrêtée au bout de quelques semaines faute de spectateurs : interpréter la vie quotidienne de personnes malades prisonnières et maltraitées dans un univers clos n’était pas vraiment apprécié par le public américain ! Pourtant, farouchement déterminés et certains de leur choix, le réalisateur Milos Forman et ses compères ont dressé la liste des acteurs qu'ils voulaient embaucher en sollicitant ceux qui étaient enthousiastes et non les stars qui faisaient la fine bouche, ce qui démontre la force de la conviction et de la foi en une entreprise que beaucoup pensait dès le départ morte-née. Jack Nicholson par exemple, partant à cent pour cent, n'était pas encore connu et avantage ultime de sa candidature, il ne coûterait pas cher à une production qui n'avait pas d'argent... Étape par étape, après l’adaptation du livre et l'élaboration du scénario, les repérages des lieux de tournage dans un véritable asile et les journées de répétition « en immersion » parmi les fous, chaque acteur est rentré dans la peau de son personnage en vivant coupé du monde extérieur. Leurs gueules et leurs jeux démontrent ici toute la beauté du métier d’acteur : nous faire partager d’énormes moments de vérité. Milos Forman le tchèque, dix années après avoir été contacté par les Douglas, entra dans la Mecque d’Hollywood par la grande porte avec son film aux 5 Oscars. L’ambiance rétrograde d’enfermement et de privation de liberté, les brimades et la censure, il connaissait cela dans son pays… Il n’eût donc aucune difficulté à « coller » parfaitement au livre. Ainsi il venait en 1975 de faire aboutir l’un des meilleurs films jamais réalisés depuis l'avènement du cinéma. Comme quoi un petit budget avec une équipe du tonnerre vaut parfois mieux qu’un grand budget avec des vedettes inconsistantes ; une démarche similaire aura engendré bon nombre de succès, « Rocky » par exemple, des films sublimés par le doublage en français avec des voix encore plus adaptées que les voix de naissance des acteurs. Comme la musique de Jack Nitzsche est superbe, à tous et à toutes, chapeau bas et un millier de fois merci les Artistes !

« Les hommes sont si bêtes qu’une violence répétée finit par leur paraître un droit ». Claude Adrien Helvétius, philosophe français du XVIIIe siècle. En affirmant le rôle prépondérant de la vie en société et conscient de l’importance capitale de l’instruction dans la formation d’un individu, il voyait juste : la violence gratuite des plus débiles d’entre nous ne mène qu’au chaos collectif. Rappelez-vous des films qui ont jalonnés notre jeunesse, ils ne manquaient singulièrement pas de violence mais elle était utilisée à bon escient. Rappelez-vous Jack Nicholson dans « Vol au-dessus d’un nid de coucou », il s’agissait alors de dénoncer la violence faite aux internés des hôpitaux psychiatriques. Ce film de 1975 élaboré suite au livre de l’écrivain Ken Kesey « La machine à brouillard » ont tous deux permis de changer une situation inadmissible : la violence des images suite à l'extraordinaire performance des acteurs dénonçait la violence des pratiques médicales en ces lieux. La violence cinématographique pour dénoncer la violence réelle, quoi de plus intelligent ? Avant le film de Milos Forman, un autre réalisateur de talent, Richard Fleischer le visionnaire utilisa lui-aussi la violence pour dénoncer l’apocalypse de l’humanité dans « Soleil Vert » (préalablement un roman d’Harry Harrison « Make Room », 1966), un film futuriste dont l’action se situe en 2022 et qui nous rapproche de plus en plus de la réalité… De quoi penser que les écologistes avaient raison il y a plus de trente ans. Aujourd'hui va t-on enfin les écouter et soutenir leur combat ultime ?!

Quelques années auparavant, ce fut Andrew Mac Laglen qui filma John Wayne dans « Chisum », un de ses formidables westerns à la musique superbe de Dominic Frontiere (voir ici), l'une des productions hollywoodienne où le Bon triomphait toujours malgré une violence légitimée dans la plus pure tradition du brave mâle/macho qui assure la défense de ses intérêts et assume la protection de la veuve et de l’orphelin. Avons-nous évolués depuis ? La réalité dépasse la fiction. Les infos nous montrent que l’on tabasse gratuitement dans certains collèges de France, un enfant vient de mourir sous les coups portés par ses agresseurs. La drogue circule facilement, des viols se déroulent dans les toilettes sous l’objectif des portables, ces mêmes engins qui sonnent à chaque seconde dans les salles de cours sans intervention de l’enseignant résigné voire désabusé, en tout cas sans autorité parce qu’il est totalement débordé par une violence qui s’affiche partout y compris chez les enfants. Sans parler de certains parents d'élèves surexcités prêts à cogner l'enseignant(e) pour un oui ou un non. Évidemment, les psys (les vrais et les autres), les assistantes sociales, les politiques, les journalistes et les amis du café de commerce trouveront toutes sortes d’explications pour tâcher de justifier ou du moins essayer de comprendre cet état de violence : enfance malheureuse du bourreau qui devient victime, provocation de la victime qui devient coupable… Sachons pourtant qu’il ne faut pas philosopher dans un cas avéré de méchanceté cruelle et gratuite. Il nous faut bien admettre qu’il existe des gens fondamentalement méchants nés avec la haine de l’autre ou singulièrement malades et on  ne pourra pas faire face à leurs agissements aggressifs seulement avec des pensées, des mots ou des bonnes intentions. Faut-il combattre la violence par la violence ? Qu’en pensez-vous ? Et surtout qu’en penserait maintenant cet enfant de onze ans, roué de coups dans son collège en France en décembre 2006 et qui ne demandait qu’à vivre heureux ?